Béla Tarr, El Hombre de Hungría

27 05 2011

Camila Pruzzo

Equipo Cine Club

En la teoría del cine moderno se cuenta la anécdota de una conversación entre Antonioni y su alumno Godard. La historia dice que el joven francés le pregunta a su maestro: “¿Qué es lo que realmente importa aquí, el contenido o la forma?”, a lo que Antonioni responde: “El drama y la plástica son lo mismo”.

De la misma manera en que el cineasta moderno retrata en su obra una crítica al estado de las cosas, construye un mundo no dogmático sin volverlo a la vez insignificante. Un mundo compuesto de sabiduría y de una mirada paciente, quizás muchas veces “mirando más allá de lo que normalmente miramos. O mejor dicho, más allá de lo permitido.

De este modo, se va armado junto con el lenguaje audiovisual (llámese ritmo del montaje, escala de planos, iluminación, colores, etc.) la intención y la duda existencial que plantea la obra del cineasta, en donde la insistencia de su mirada se transforma en fragilidad, y a su vez en la fortaleza que caracteriza a sus obras, sin separar el contenido y la forma, como planteaba Antonioni, plasmando la idea de que el cine, finalmente no es la solución moral del mundo que habitamos, sino que va más allá de la vida misma, constituyéndose desde su forma plástica como un problema ideológico y de “óptica” simultáneamente.

Entre los múltiples artistas que han sido enmarcados en este modernismo cinematográfico, o bien entre aquellos que han heredado cierto carácter contemplativo y han relacionado la forma de sus filmes con la historia que contienen, a través del uso crítico de las problemáticas de nuestro presente, hemos dedicado este ciclo a un hombre que, más allá de su amor por la filosofía y el cine, es por sobre todas las cosas según lo aquí descrito, un artista moderno.

Béla Tarr, nacido en Hungría en el año 1955, comenzó su carrera a temprana edad en el documental y el realismo socialista, para luego dirigir su visión hacia una sensibilidad visual y filosófica más cercana a la metafísica, siendo su principal objetivo la problemática del tiempo mediante el estado de trance presente en sus obras de ficción. Es decir, la presencia de un lenguaje de cámara pausado, calculado e insistente,  que logra camuflar en tiempos muertos, mil y un pensamientos y sensaciones, todo en el pulso de una vigilancia reflexiva e inquietante a la vez, lúcida mas no acusadora.

El hombre de Londres” (A London férfi, 2007) inspirada en la novela del mismo nombre de Georges Simenon (L’Homme de Londres,) es en sí misma un drama plástico, en donde no sólo los espacios se vuelven vigilantes, sino que el uso de la escala de planos y el tiempo en que esa mirada se detiene, alcanza incluso a vernos a nosotros, los espectadores. El juego de las miradas entre el protagonista (Maloin) quien literalmente trabaja vigilando las vías del tren, su familia, la investigación tras el asesinato y el robo en el que se ve implicado, son elementos claves para entrar en diálogo con la perspectiva que este autor nos ofrece en su obra.

Tal como él nos dice en otro de sus filmes: “Y ahora, veremos una explicación que nos ayudará a comprender, incluso a gente sencilla como nosotros, el significado de la inmortalidad. Lo único que os pido es que caminéis conmigo por la inmensidad en la que la constancia, la quietud y la paz, reinan en un vacío infinito”  (Armonías de Werckmeister, 2000.)

Es esa inmortalidad en su cine la que permite entender a través de esa “quietud” (o la ilusión de ésta) de sus planos y las acciones de sus personajes, la que nos llama a convocarnos hoy en torno a la mirada de Tarr. Esa explicación que a la vez es su duda existencial, se despliega en toda su obra a través de las historias y los estados que sus personajes representan a lo largo de su producción.

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